A Learner's Journey – Lars Dittmer

Schlagwort: Tagesspiegel

  • Der Anfang vom Lied

    Wunder mit Methode: Warum Schweden unentwegt erfolgreiche Popmusiker hervorbringt. „Der schwedische Staat macht es einem unheimlich leicht, Künstler zu sein,“ sagt Nina Persson, Sängerin der Cardigans. Artikel im Tagesspiegel vom 8. April 2010 von Lars Dittmer

    Ein Klangteppich aus Gitarrengeschrammel und Keyboardsounds durchzieht die Konzerthalle des Berliner Astra-Clubs. Auch das letzte Paar Chucks hüpft jetzt auf und ab. Auslöser der Begeisterung ist die fünfköpfige Indiekapelle Shout Out Louds, die ganz unglamourös in T-Shirts und Jeans auftritt. Denn den Stockholmern geht es nur um die Musik. Und die ist, wie schon der Titel ihres neuen Album „Work“ (Universal) andeutet, solide Handwerksarbeit – nicht spektakulär, aber einfach gut: verspielte, präzise Gitarrenriffs, die an The Cure erinnern, eingängige Melodien, Mitstampfrhythmen,dazu die verhallte und leicht melancholische Stimme von Sänger Adam Olenius.

    Vor der Show im Biergarten des Clubs zeigen sich Olenius und Bassist Ted Malmros optimistisch. Die Konzerte in Hamburg und Berlin seien schnell ausverkauft gewesen, berichten sie. „Sogar in Rostock war die Halle gut gefüllt – die Stadt kannten wir vorher nicht mal“, sagt Malmros. Nicht nur die Shout Out Louds sind derzeit auf der Überholspur. Gerade hat das aufstrebende Folkduo First Aid Kit sein Berliner Publikum verzückt. Auch sie kommen aus Schweden und stehen für die unglaubliche Poptradition des skandinavischen Landes, die in schöner Regelmäßigkeit internationale Hits hervorbringt.

    Vor allem im Indierock und im Electropop ist Schweden heute gut aufgestellt, mit etablierten Bands wie den Cardigans, Mando Diao, Peter Björn and John und The Knife, aber auch einer steten Zufuhr an jungen Musikern wie etwa Lykke Li. Grund dafür ist eine Mischung aus protestantischer Arbeitsmoral, Gemeinschaftsgefühl, einer fast kostenfreien Musikerziehung und gutem Englisch. Und nicht zuletzt: die Gabe, Trends schnell zu erkennen und zu besetzen.

    Erfolgreiche Bands aus Schweden sind nichts Neues: Bis heute verkauften Abba 370 Millionen Alben und reihen sich damit gleich hinter den Beatles ein. In den Neunzigern brachte Schweden Musiker wie Ace of Base, Roxette und Robyn hervor. Letztere startete ihre Karriere vor drei Jahren mit einem tollen Album neu, was ihr einen Platz im Vorprogramm der letzten Madonna-Tour einbrachte. Manchmal sind auch Schweden drin, wo USA draufstehen: Songwriter und Produzenten wie Anders Bagge und Rami Yacoub arbeiten für Pink und Britney Spears.

    Nina Persson auf dem Stockholm Pride Festival 2009. (Bild: Nyman/Wikipedia)
    Nina Persson auf dem Stockholm Pride Festival 2009. (Bild: Nyman/Wikipedia)

    „Als die Cardigans in den frühen Neunzigern anfingen, war die schwedische Musikindustrie bereits international vernetzt“, erzählt Nina Persson, Sängerin der Cardigans, am Telefon. Sie lebt heute in New York, ist mit dem US-Musiker Nathan Larson verheiratet, und parliert, wie so viele ihrer Landsleute, fließend in Englisch. Mehr als 80 Prozent der Schweden beherrschen die Sprache, Kinder lernen sie von früh auf, und englischsprachige Filme werden im TV nicht synchronisiert, sondern mit Untertiteln gezeigt.

    „Der schwedische Staat macht es einem unheimlich leicht, Künstler zu sein,“ sagt Persson. In den Nachkriegsjahren wurde ein Netz von kommunalen Musik- und Kunstschulen eingerichtet, um Kindern und Jugendlichen eine kostenfreie Musikerziehung zu ermöglichen. Von den 290 Kommunen des Landes besitzen 278 eine solche Einrichtung. „Die Beteiligung aller Klassen am kulturellen Leben war parteiübergreifender Konsens und Teil des Sozialstaatsgedankens“, sagt Bo Tobiasson, Professor an der königlichen Musikhochschule in Stockholm. Insbesondere in den Siebzigern und Achtzigern entstand in der Provinz eine Garagenbandkultur, die auch kommerziell erfolgreiche Bands hervorbrachte – fast alle Mitglieder der Cardigans lernten in diesen Schulen klampfen und trommeln.

    Hinzu kommt die grundsätzliche Offenheit der Schweden für Moden. „Wenn es irgendwo auf der Welt einen Trend gibt, kann man sicher sein, dass eine schwedische Band ihn aufnimmt“, sagt Persson. Und Musik- und Modetrends verbreiten sich meist schnell unter den 9,1 Millionen Einwohnern. Die Schweden verstehen sich als eine Art große Familie, mit flachen Hierarchien, aber auch einer gewissen sozialen Kontrolle. „Wir sind nicht besonders individualistisch. Auffallen möchte hier keiner“, bekennt Ted Malmros von den Shout Out Louds.

    Erfolg dient in der Selbstwahrnehmung der Schweden nicht primär dem Ziel, reich zu werden, sondern der Gemeinschaft. „Gute Musik hilft dem ganzen Land. Wir sehen uns auch als kulturelle Botschafter“, sagt Shout-OutLouds-Sänger Olenius. Für so viel Patriotismus revanchiert sich der Staat. Denn trotz Sparzwang greift er seinen Musikern nach wie vor mit Stipendien unter die Arme: Rund 11,5 Millionen schwedische Kronen, etwa 1,2 Millionen Euro, verteilt er jährlich unter mehr als 140 Bands, über 20 Millionen Euro gibt es für regionale Musikorganisationen. Zum Vergleich: Mit etwa zwei Millionen Euro fördert Deutschland über die „Initiative Musik“ Künstler und Musikunternehmen.

    Im Jahr 1993 wurde der Branchenverband Export Music Sweden (ExMS) gegründet, der die schwedische Musik in alle Welt tragen soll. Jedoch: Reich sind auch in Schweden die wenigsten Musiker. Etwa zwei Milliarden Kronen, 205 Millionen Euro, nahm das Land im Jahr 2006 durch Musikexporte und Lizenzgebühren ein – ein kleiner Teil des Wirtschaftkuchens. Dennoch zählt ExMS-Chef Anders Hjelmtorp Schweden zu den größten Musikexporteuren der Welt: „Wir dürften auf Nummer 5 oder 6 liegen und verkaufen von Jahr zu Jahr mehr.“ Den nackten Zahlen nach haben Länder wie Deutschland und Kanada bislang die Nase vorn. Dieser Vorsprung könnte jedoch enger werden – dank der Schwedenrezeptur und dem Ethos, dem auch die Shout Out Louds ihr neues Album widmen: Work.

  • Seltsame Alltagsutensilien im Museum der Dinge

    Vor einigen Objekten fragt sich der Besucher amüsiert, wozu sie dienen und wer sich die Mühe gemacht hat, sie zu erfinden. Zwanzig Jahre streifte Designer Tim Brauns weltweit über Flohmärkte und akquirierte eine Vielzahl teils kurioser Utensilien. Artikel im Tagesspiegel vom 7. April 2010 von Lars Dittmer

    Nützlich, nützlich – Werbung für "außerordentlich praktisches Tischgeräth" von 1901 (Wikipedia)

    Ein „Eierschalensollbruchstellenverursacher“ ist eine Vorrichtung von der Größe eines Korkenziehers, die in nur einem Schritt das Morgen-Ei löffelfertig köpft. Das Gerät umschließt die Spitze des Eis, dann saust ein Gewicht herab und zerteilt das Ei. Der Apparat mit dem ungelenken Namen gehört zu den Kostbarkeiten, die Tim Brauns in der Ausstellung „Funktionsprinzipien der Dinge“ im Werkbundarchiv, dem Kreuzberger Museum der Dinge, ausbreitet. Zwanzig Jahre streifte der Designer weltweit über Flohmärkte und akquirierte eine Vielzahl teils kurioser Utensilien.

    Vor einigen Objekten fragt sich der Besucher amüsiert, wozu sie dienen und wer sich die Mühe gemacht hat, sie zu erfinden. „Dinge sind wie Knoten in Taschentüchern, sie erinnern mich an etwas und erzählen eine Geschichte“, sagt Brauns, der sich selbst als „dingbezogene“ Person bezeichnet. Während seiner Beutezüge war ihm aufgefallen, wie unterschiedlich funktionsgleiche Dinge sein können. Die 120 Exponate sind nach Funktionsweisen gehängt, je nachdem ob sie schneiden, öffnen, ordnen. Dadurch rücken Material, Herkunft und Verarbeitung in den Fokus. Über diese, so Tim Brauns, lassen sich Rückschlüsse ziehen auf die gesellschaftlichen Bedingungen der Produktion. „Die Sprache der Flohmärkte“, nennt er das.

    „Ein Korkenzieher aus dreißig verschiedenen gusseisernen Teilen verrät, dass damals andere Stundenlöhne galten,“ sagt Brauns. Majestätisch wirkt neben dem schlichten Gerät der „Charles de Gaulle“, ein roter Plastiköffner, der triumphierend die „Arme“ hebt. Brauns’ Diagnose: „Der stammt aus einer Zeit, in der ein neuer Kunststoff seine Verwendung gesucht hat.“ Dominant in der Ausstellung sind Bügelhalter in allen Variationen: von sozialistischer Holzklasse bis zu barocker Opulenz. Weniger durchgesetzt im Alltagsgebrauch haben sich Bulettenwender, Sardinendosen- und Einweckglasöffner. Doch nicht nur in der aktuellen Ausstellung findet sich manch rares Stück. Im Museum der Dinge trifft Nützliches auf Fetische, Schönes auf Hässliches, Geschmackvolles auf Kitsch. Der Museumsbesuch lohnt nicht nur für dingbezogene Menschen. Museum der Dinge, Oranienstraße 25, bis 26. April, Fr. bis Mo. 12–19 Uhr

  • Gabe an die Götter

    Die Männer gehen mit langen Holzstöcken aufeinander los, splitterfasernackt, umringt von ihren Stämmen, die sie anfeuern. „Als die Stöcke durch die Luft sausten, hatte ich kurz Angst“, sagt die Turiner Fotografin Giorgia Fiorio. Die Kämpfe auf dem „Donga-Fest“ des äthiopischen Surma-Volkes sind eine Mischung aus Erntedank-Ritual und kampfsportlicher Männlichkeitsbezeugung. Zu Todesfällen kommt es bei dem Ritual üblicherweise nicht, aber das Blutvergießen der Krieger stellt eine Opfergabe dar. Artikel im Tagesspiegel vom 25. April 2010 von Lars Dittmer

    Geben und Nehmen – das ist eine Konstante der menschlichen Spiritualität, wie Giorgia Fiorio in ihrer Fotoausstellung „Ritus – Die Gabe“ zeigt, die derzeit in der Galerie C/O Berlin zu sehen ist. Menschen bieten ihren Gottheiten etwas an, und erhoffen sich dafür etwas.

    Reinigend. Voodoo-Fest in den Aguas Blancas-Fällen auf Haiti. Foto: Fiorio/Agentur Focus

    Ihre selbst finanzierten Reisen führten Giorgia Fiorio neun Jahre lang in 38 Länder, sie fotografierte Mönche in polnischen Klöstern, rotierende Derwische in der Türkei, Voodoo-Zeremonien in Haiti, Tempelanlagen in Südostasien. „Überall dreht es sich um Geburt, Fruchtbarkeit, das Leben, das Sterben“, sagt die 42-Jährige. Ihre szenischen, großformatigen Schwarz-Weiß-Aufnahmen zeigen aber nicht nur uralte Rituale, sondern auch Zeremonien, wie sie Buchreligionen wie Islam und Christentum vorsehen. Auf einem dramatischen Hochformat sieht man etwa die Passionsspiele auf den Philippinen. Ein Katholik lässt sich während der Karwoche kreuzigen. „Manche verlangen sogar danach, mit Nägeln befestigt zu werden“, sagt Fiorio. Die Gläubigen kasteien sich, um von ihren Sünden gereinigt zu werden.

    Nicht alle Menschen, die auf den Fotos zu sehen sind, waren sofort damit einverstanden, während der religiösen Zeremonie fotografiert zu werden. „Oft erhielten wir nach Monaten der Reise zunächst einmal eine Abfuhr“, berichtet Fiorio. Doch mit viel Geduld überzeugte sie die Menschen. Auffällig ist die Abwesenheit von Frauen auf den Fotos. Lässt sich Fiorios Ausstellung also als Kritik an der Wiederkehr einer konservativen Religiosität lesen? Giorgia Fiorio verneint. „Meine Fotos haben keine politische Intention. Außerdem ist die Frau in den meisten Ritualen privilegiert. Schließlich ist sie es, die angebetet wird.“ Lars Dittmer

    Auguststr. 5a, bis 2. 5., tgl. 11 – 20 Uhr.

  • Schläfer, Schnarcher, Süchtige

    Rhythmisches Atmen aus allen Ecken, hie und da ein Säuseln, schmatzende Laute sich im Bette drehender Menschen. Wer einmal in Mehrbettzimmern großer Jugendherbergen genächtigt hat, kennt diese Geräuschkulisse. Der dänische Klangkünstler und Wahlberliner Jacob Kirkegaard hat die nächtlichen Laute von Freunden und Bekannten aufgezeichnet und zu einer Klangcollage unter dem Namen „House of Mare“ zusammengestellt. Sie wurde letzte Woche im „Hotel Marienbad“, einem Projekt der Kunstwerke in der Auguststraße in Berlin Mitte, für nur einen Abend präsentiert. Artikel im Tagesspiegel vom 23. März 2010 von Lars Dittmer

    "A Dream of Crime & Punishment", Engraving by J.J. Grandville (Jean Ignace Isidore Gérard) as published in "Harper's Magazine" in the USA in the 19th century

    Die Besucher standen verdutzt vor einem großen Bett, über dem ein morbider Pferdekopf und 16 Lautsprecher hingen, aus denen die Schlafgeräusche ertönten. „Im Gegensatz zur Kontrolliertheit unserer Alltagssprache wollte ich das Unterbewusste und Unintentionale verarbeiten,“ sagt der Soundkünstler. Die „Schläfer“ wurden abends nur mit einer Flasche Champagner ausgestattet, durften noch unter die Dusche springen und wurden dann ihren Träumen überlassen.

    In der Marienbad-Reihe der Kunstwerke werden Künstler eingeladen, eine Nacht in dem von der Gruppe „Fort“ eingerichteten Hotelzimmer zu verbringen. Hier können sich die Kreativen Projekte einfallen lassen, die sich an den Schnittstellen von Öffentlichkeit und Privatheit abarbeiten – dem Ambiente eines Hotels.

    Diesen Freiraum nutzten auch die anderen Schlafgäste, und so sind in zwei Jahren Marienbad die unterschiedlichsten Vorhaben umgesetzt worden. Das Frankfurter Ehepaar Rausch präsentierte Bilder aus seiner Sammlung. Später verschönerte Wolfgang Breuer die Suite mit einbruchssicheren Fenstern, eine Anspielung auf die Immobilienblase in den Vereinigten Staaten.

    Mit einer bizarren Aktion schließt die Marienbad-Reihe nun vorerst die Hotelpforten: Einen Drogenentzug will das Künstlerduett Benjamin Blanke und Claudia Knapp unter dem Motto „Cold Turkey – an Invitation“ in die Hotelsuite verlagern und künstlerisch begleiten. „Der Entzug selbst wird komplett von ärztlichem Personal durchgeführt“, sagt Claudia Knapp. „Uns interessiert dabei die Grauzone zwischen Spektakel und Tabuisierung, in der sich Drogenabhängigkeit gesellschaftlich befindet.“

    Das Angebot des kostenfreien Entzugs kursiert seit drei Wochen in Onlineforen und hat bereits das Interesse von 80 Personen nach sich gezogen, Künstlern und anderen Abhängigen. Unter ihnen auch ein Drogensüchtiger aus Singapur, dem in seinem Heimatland drakonische Strafen wegen seiner Abhängigkeit drohen. Der Entzug verläuft unter Ausschluss der Öffentlichkeit, der künstlerische Effekt ist aufseiten des Publikums bloß imaginiert, Spektakel ohne Spektakel. Das Ende der Aktion ist bislang noch offen und in welcher Form sich dann die Therapierten zu Wort melden, bleibt ihnen überlassen.

    Das Projekt stellt einen letzten Schritt in einer künstlerischen Entwicklung dar, die den Menschen selbst zum Kunstobjekt erklärt. So siedelte Joachim Gerz unter dem Titel „2-3 Straßen“ 78 Menschen in drei Problemvierteln des Ruhrpotts an und ließ sie einen gemeinsamen Text schreiben. Zur Inszenierung des Todes ist es bislang noch nicht gekommen – trotz einer Ankündigung Gregor Schneiders, der vor zwei Jahren einen Verstorbenen in einem Museum ausstellen wollte. Dazu kam es nicht.

  • Berliner Fotoausstellungen zelebrieren die Kunst des Stilllebens

    Früchte, Blumen, tote Tiere. Die Fotos leben, spielen mit den Symbolen der Vanitas – die kaum noch jemand versteht// Vera Mercer macht Stillleben. Ja, es geht irgendwie um das Leben, das wird sofort klar. Von „still“ kann allerdings keine Rede sein, ganz im Gegenteil. Man wird in Mercers Ausstellung in der Kommunalen Galerie Berlin Zeuge eines Kampfes zwischen Aufblühen und Verdorren, Leben und Tod. Die Fotografien der 73-jährigen Wahlamerikanerin entsprechen bis in die Motive hinein den symbolgeladenen barocken Stillleben – Früchte, zerlegte Tiere, Blumen. Auch in den Arbeiten anderer zeitgenössischer Fotografen wird zurzeit mit klassischer Bildsprache inszeniert. Ist das Stillleben ein neuer Trend in der Fotografie? Artikel im Tagesspiegel vom 16. März 2010 von Lars Dittmer

    Auf einem Foto von Vera Mercer begegnet man einem toten Hahn, er hat den bunt gefiederten Kopf auf seine Krallen gelegt, neben einem schimmelnden Käse. Grüne, saftige Blätter ragen in das Memento-mori-Ensemble hinein, als wollten sie Platz schaffen für neues Leben. Das Junge, Frische trifft hier auf das Verwelkende, Tote – und löst es ab.

    Einst sollten Stillleben den Menschen Moral beibringen. – Foto: Vera Mercer

    „Vanitas“, Vergänglichkeit, ist eins der ersten Worte, die Kurator Matthias Harder bei der Vernissage benutzt. Auch für Grusel ist gesorgt: Der geheime Star der Ausstellung ist das Bild eines abgetrennten Schweinekopfs mit herausgeschnittenen Augen, der mit zufriedenem Gesichtsausdruck auf einer Platte serviert wird, gemeinsam mit einer Hyazinthe und einer feigenartigen Frucht. Wem fiele da nicht der Begriff „Dekadenz“ ein?

    „Der Schweinekopf hängt auch in meinem Restaurant in Omaha“, sagt Mercer, die im Berlin der dreißiger Jahre als Vera Merz geboren wurde und sich später einen Künstlernamen zulegte. Mit Daniel Spoerri war sie in den sechziger Jahren nach Paris gezogen und hatte Künstler wie Niki de Saint-Phalle und Jean Tinguely kennengelernt. Spoerri hatte später „Eat Art“, Esskunst, populär gemacht.

    Heute lebt Vera Mercer in Nebraska. „Am Anfang jedes meiner Bilder steht ein totes, essbares Tier“, sagt sie. Erst wenn sie das habe, mache sie sich Gedanken darüber, wie sie das Stillleben arrangiert. Viele klassische Stilllebensymboliken finden sich auf ihren Fotos wieder, Chiffren, die im 17. Jahrhundert zum erzieherischen Auftrag gehörten, dem sich die Künstler verpflichtet fühlten. Man wollte den Menschen Demut und Gottesfurcht durch eine Reihe von Bildsymbolen einimpfen. Abbrennende Kerzen etwa waren ein Zeichen für den Tod, Obst stand für den biblischen Sündenfall.

    Diese Symbolik liegt Vera Mercer fern. „Ich finde meine Bilder schön und denke nicht an Botschaften darin“, sagt sie. Auch mit dem Tod habe ihre Kunst wenig zu tun, sondern vielmehr mit „Essen, Form und Farbe“. Das war es schon? Bunte Fotos, postmoderne Deko, ohne tieferen Sinn? Fast mag man es nicht glauben angesichts der Genauigkeit, mit der die Künstlerin zitiert.

    Vielleicht wird man im Künstlerhotel Bogotá in der Nähe des Kurfürstendamms schlauer, in dem derzeit eine Ausstellung unter dem Titel „Flowers“ zu sehen ist, mit Blumenbildern von Mercer und anderen Künstlern. Seit dem 15. Jahrhundert ist auch das Blumenstillleben eine wiederkehrende Bildgattung, aufgeladen mit verschlüsselten Botschaften. Der Bildband „Flower Power“ von Matthias Harder, der die Ausstellung begleitet, präsentiert Blumenbilder von 32 zeitgenössischen Fotografen. Einen „Trend“ würde Harder trotzdem nicht in dem Motiv sehen. „Wenn man nach etwas sucht, begegnet es einem überall.“

    Dennoch finden sich in dem Band Referenzen zuhauf. Die Niederländerin Margriet Smulders oszilliert mit ihren klatschigen, teils bis zu zehn Meter breiten Blumenarrangements zwischen Impressionismus und flämischer Barockmalerei. Tendenzen zum klassischen Blumenstillleben finden sich bei Hans-Peter Feldmann und Luzia Simons; besonders ausgeprägt ist das Vanitas-Thema in den Langzeitbelichtungen von Michael Wesely, der die Evolution einer Blume ins Bild setzt.

    Doch knüpfen die Künstler hier tatsächlich an das barocke Sendungsbewusstsein an? Teils werden die Botschaften in Harders Buch verkehrt und dekonstruiert, teils steht das Dekorative im Vordergrund. „Mit den Bedeutungen von damals wird in erster Linie gespielt“, erklärt der Autor. Denn Anknüpfen ließe sich an die klassische Bildsprache nicht mehr: „Frühere Generationen konnten Stillleben lesen, heute ist das Wissen um ihre Symbolik verloren gegangen.“

    Vera Mercer bezeichnet ihre Kunst deshalb gerne als „altmodisch“ – wenngleich ihr Eklektizismus hochmodern ist. „Das Zitieren gibt den Künstlern von heute eine gewisse Sicherheit“, sagt Eva Bertram, selbst Fotografin und Dozentin an der Neuen Schule für Fotografie in Berlin-Mitte. „Es bietet eine Orientierung in der medialen Bilderflut und ermöglicht den Künstlern, eigene Ideen in bereits für wertvoll befundene Genres einfließen zu lassen.“ Einen Trend stelle dies aber nur mit Vorbehalt dar, wenngleich die Zitattechnik „wellenförmig“ wiederkehre. Außerdem, ergänzt Matthias Harder, stehe heute eine unendliche Bandbreite von Genres zur Verfügung. Ein Paradies für Spurensucher.

    Kommunale Galerie, Hohenzollerndamm 176, bis 25. April, Di.–Fr. 11–17 Uhr, Mi. 11 –19 Uhr. Hotel Bogotá, Schlüterstraße 45, bis 27. April.

  • Pazifistische Farben

    Wie das historische Filmmaterial von „Der Krieg“ für die ARD nachträglich koloriert wurde// „Die Menschen waren früher auch nicht schwarz-weiß. Ich gebe ihnen also ihre Farbe lediglich zurück“, sagte François Montpellier kürzlich der französischen Zeitung „L’Express“. 13 Monate hat sich der französische Videospezialist in seinem Studio eingeschlossen, um dem historischen Filmmaterial für den ARD-Dreiteiler „Der Krieg“, dessen letzte Folge am Montag in der ARD ausgestrahlt wird, eine Farbkur zu verpassen. Nur zwei Studios weltweit kolorieren Produktionen dieser Größenordnung nach – neben Paris gibt es noch eines in San Diego. Artikel im Tagesspiegel vom 14. März 2010 von Lars Dittmer

    Mit der Präzision heutiger High-Definition-Produktionen haben die gedeckten, erdigen Töne der Nachfärbung allerdings nicht mehr viel zu tun. „Anders ließe sich das sensible Schwarz-Weiß-Material nicht kolorieren, es ist einfach zu dunkel“, sagt Alexander von Sallwitz vom NDR. So orientierte sich Montpellier an einem Farbklima, wie es in Filmen zu Zeiten des Zweiten Weltkrieges zu finden war. Rund fünf Prozent aller Filme wurden damals in Farbe gedreht, auch Aufnahmen von Hitler auf dem Obersalzberg – ohne Ton, doch für damalige Verhältnisse auf dem neuesten Stand der Technik.

    Der Prozess der Nachkolorierung geschah komplett per Computer und szenenweise. Zunächst mussten Farbprofile erstellt werden – hier fließen die angesprochenen historischen Filme aus Kriegszeiten mit ein, aber auch Material aus einer früheren Zusammenarbeit Montpelliers mit dem Duo Clarke/Costelle in „Les Ailes des héros“ von 2004, das historische Flugaufnahmen beinhaltet. Geschichtlich wollte man so präzise wie möglich arbeiten. Es oblag dem Historiker Antoine Dauer, herauszufinden, welches Wetter herrschte, was enorm wichtig ist für die dargestellten Lichtverhältnisse. „Während der Schlacht von Dünkirchen im Juni 1940 war der Himmel von erdrückendem Frühlingsblau“, sagt Montpellier.

    Auch welche Uniformen von welcher Einheit getragen wurden, ob Waffen und Fahrzeuge eher dunkel, grün oder ockerfarben waren, musste bestimmt werden. Problematisch war es etwa, in verschiedenen Schlachten, die französische und die italienische Flagge auseinanderzuhalten, berichtet Montpellier. In Schwarz-Weiß sehen beide Trikolorfahnen fast identisch aus. Mit seinem Fundus an Vergleichsbildern erzeugt Montpellier durch einen Algorithmus Farbtöne, die per Computer den Schwarz- und Grautönen zugeteilt werden. Eine Wiese wird nicht einfach nur grün eingefärbt, sondern ergibt sich im Zusammenspiel von Braun- und Grüntönen. Durch ein spezielles Verfahren behalten die zugewiesenen Bereiche ihre Farbprofile. Ein Wehrmachtshelm bleibt so eine ganze Szene über hellgrau und muss nicht Bild für Bild nachgefärbt werden.

    Doch dasVerfahren hat seine Grenzen. Auch Augen- und Haarfarben müssen zugeteilt werden – hier beginnen Imagination und Kunst. Und hier setzt auch die Kritik an der Nachkolorierung an. Speziell in Deutschland wurde der Vorwurf der Geschichtsverfälschung gegen die Nachkolorierung historischen Filmmaterials vorgebracht. „Dabei ist Film immer eine Interpretation der Realität“, entgegnet Alexander von Sallwitz. Und letztlich müsse auch der erreichte Effekt in Betracht gezogen werden. „Der Krieg erscheint in Farbe viel schrecklicher. Daher ist die Botschaft der Autoren eine zutiefst pazifistische.“

    „Der Krieg“, Montag, 21 Uhr, ARD

  • Das Wunder der Stereoskopie

    „Avatar“, „Alice“ und die Folgen: Die Berliner Kinos rüsten auf 3 D um. Auch die Produktionsfirmen hoffen auf einen neuen Markt.

    Marianne Peinert, Rentnerin aus Hohenschönhausen, schaut sich „Avatar“ wegen 3 D an. Dafür lohnt sich, sagt sie, der Weg in die UCI-Kinowelt in Berlin-Friedrichshain an der Landsberger Allee. Rund 40 Zuschauer haben an diesem Mittwochnachmittag im 3-D-Saal Platz genommen, um sich das Weltraumindianer-Epos anzusehen. Mehr als 9,6 Millionen haben den Film in ganz Deutschland gesehen. Artikel im Tagesspiegel vom 9. März 2010 von Lars Dittmer

    Zwar ist „Avatar“ mit nur drei Auszeichnungen der Verlierer der Oscar-Nacht. Aber er hat einen Trend losgetreten, von dem nun auch seine Nachfolger profitieren. Tim Burtons 3-D-Märchen „Alice im Wunderland“ hat am ersten Wochenende 116 Millionen Euro eingespielt, Avatar spielte seinerzeit „nur“ 77 Millionen Euro ein. Der Erfolg von „Alice“ hat jedoch auch damit zu tun, dass immer mehr Kinos umgerüstet werden und so neue Zuschauer erreicht werden.

    „Viele ältere Leute schauen Avatar“, sagt UCI-Mitarbeiter Johannes Wagner. Dem letzten Herbst auf 3D umgerüsteten Kinosaal mit 298 Sitzplätzen soll daher ein zweiter folgen. Die Technik ist teuer: 120 000 Euro kosten Abspieltechnologie plus Silberleinwand, erfährt man beim Hauptverband Deutscher Filmtheater.

    Rund 20 derart ausgestattete Kinos gibt es in Berlin und Brandenburg, Tendenz steigend. Für die Betreiber können sich die Kosten schnell amortisieren – siehe „Avatar“ und „Alice“. Außerdem nimmt etwa die UCI-Kette für 3-D-Filme einen Aufpreis von 3 Euro. Zwar führen derzeit primär die großen Kinoketten die neue Technik ein, doch kleinere Kinobetreiber ziehen nach.

    Was die Produktion von 3-D-Filmen in Deutschland angeht, ist man allerdings zurückhaltend. „Deutschlandweit dürfte es rund hundert schwer Interessierte geben“, schätzt Wolf Bosse von der Berliner Postproduktionsfirma Pictorion/Das Werk. Dazu gehört auch die kleine Produktionsfirma Movie Brats in Friedrichshain, die im Frühjahr den 3-D-Animationsfilm „Water Soul“ herausbringt. Für 2012 avisiert man einen 3-D-Dokumentarfilm an: „Außerhalb der Imax-Kinos gab es bisher keine 3-D-Dokus“, sagt Alex Weimer, einer der drei Independentfilmer von Movie Brats. „Man fühlt sich wie ein Pionier.“

    3 D ermöglicht eine besondere Art des visuellen Erzählens mit langen Schnitten und imposanten Landschaftsaufnahmen. Für ihr Projekt mit dem Titel „American Backroom“ wollen die drei alle 50 US-Bundesstaaten bereisen, um eine Momentaufnahme von Amerika, rechtzeitig zu den nächsten Präsidentenwahlen, zu machen.

    Warum man in Deutschland bislang eher vorsichtig mit 3-D-Filmen ist, erklären sich die drei auch anhand der Sujets. Bislang ist der Sektor dominiert von Tier- und Landschaftsdokus sowie von Animationsfilmen wie „Ice Age 3“ und „Oben“, etwas Horror á la „Resident Evil“, und Action wie bei „Final Destination 4“. „Stoffe, die in Deutschland nur wenig produziert werden“, sagt Esther Friedrich von Movie Brats. „Man müsste hierzulande erst merken, dass auch Drama auf 3D geht.“

    Primär ist es aber natürlich die Geldfrage, die Filmemacher und Investoren abwarten lässt. Rund 1,8 Millionen Euro Kosten kalkulieren die Movie-Brat-Produzenten für „American Backroom“. Das ist zwar für Deutschland eine hohe Summe, aber Camerons „Avatar“ kostete 175 Millionen Euro.

    Rund ein Viertel teurer wird ein Film, wenn er stereoskopisch, sprich in 3D, gefilmt wird. Man benötigt zwei Kameras, für jedes Auge eine, so dass die Illusion von Räumlichkeit entsteht. Die zwei Linsen müssen während der Dreharbeiten konstant in zwei Zentimetern Abstand geführt werden (das ist der Augenabstand), was aufgrund der Breite der Geräte eigentlich unmöglich ist. Deshalb drapiert man die Kameras fast aufeinander und arbeitet mit Spiegeln. Während der Dreharbeiten justieren Spezialisten ständig nach. Die „Stereographer“ sind zumeist gelernte Ingenieure, die sich ihr Spezialwissen derzeit mit Gold aufwiegen lassen.

    „Für unser Projekt mussten wir zwei Jahre Investoren abklappern“, sagt Holger Hage, Filmproduzent und Regisseur von European Motion Pictures. Sein Mistery-Thriller „The Forbidden Girl“, ein von Edgar Wallace inspirierter 3-D-Film, soll in Berlin und Umgebung gedreht werden. Weitere „Berliner“ Projekte: Wim Wenders arbeitet derzeit an „Pina“, einem 3-D-Film über die 2009 gestorbene Wuppertaler Choreografin Pina Bausch. Gedreht wird in Wuppertal in Kooperation mit dem Berliner Büro von Das Werk und finanziell unterstützt vom Medienboard Berlin-Brandenburg. Und auch die Potsdamer Filmhochschule HFF stürzt sich mit dem Film-Projekt „Topper gibt nicht auf“ ins stereoskopische Getümmel.

    Neben Berlin mischen auch Städte wie Köln und München bei 3 D ganz vorne mit. So wird mit „Konferenz der Tiere“ in diesem Herbst ein Animationsfilm der Münchner Constantin in die Kinos kommen, 2011 legt Michael „Bully“ Herbig mit „Wickie 2“ nach. Von dem Boom kann Berlin nur profitieren, sagt Hage: „Hier gibt es viele Kreative, man bekommt leicht Drehgenehmigungen. Auch die Industrie könnte das auf kurz oder lang hierherlocken.“

    Die Kinoleinwand ist nur das erste Kapitel. An Weihnachten könnte 3 D verstärkt in Privathaushalte Einzug halten – durch neuartige Fernsehgeräte. Auch im Videospielbereich deutet sich 3 D als Trend bereits an. Das dürfte den Boom füttern, steigert aber auch die Gefahr illegaler Downloads. Unschön für Hollywood: Nach Jahren der Verluste durch Raubkopierer sorgen „Avatar“ und „Alice“ dank des 3-D-Alleinstellungsmerkmals weltweit für steigende Umsätze. Damit ist womöglich schon bald wieder Schluss.